VA • Jazz Guitar

 

Stan Getz, Joáo Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Wes Montgomery, Django Reinhardt, Tal Farlow, George Benson, Grant Green, Jim Hall, Russell Malone, Kenny Burrell, Gábor Szabó, Charlie Byrd, Django Reinhardt, Stéphane Grappelli, Jimmy Smith,Toots Thielemans, Wynton Kelly ...

Herb Ellis-Jimmy Giuffre • Herb Ellis Meets Jimmy Giuffre

 

Hampton Hawes • All Night Session

Review by arwulf arwulf

Originally issued on three LPs, the music resulting from Hampton Hawes' All Night Session! was stereophonically recorded for the Contemporary label in Los Angeles on the night of November 12 and into the morning of November 13, 1956. This session transcended the conventions of studio production by moving steadily from one tune to the next like a live gig with no alternate takes. Here is West Coast bop at its most spontaneous and exciting. Prior to this highly successful quartet experiment, Hawes had recorded mainly with his trio. He said that the addition of guitarist Jim Hall opened up more rhythmic possibilities. The currents passing between Hawes and bassist Red Mitchell were the metabolic pulse of this group; drummer Eldridge "Bruz" Freeman was a replacement for Chuck Thompson, whose heroin habit had forced him out of the band earlier that year. On this night Hawes chose to reinterpret no less than four Dizzy Gillespie compositions, along with themes by Duke Ellington and Duke Jordan as well as six chestnuts from the standard jazz repertoire. But there's nothing "standardized" about this music. Like his main influence, Charlie Parker, Hampton Hawes was a strikingly inventive blues-based improviser; this element is strongly present throughout, particularly during five spontaneously composed Hawes originals that materialized during this monumentally creative All Night Session! Now, 50 years after this music was first made available to the public, the Definitive label's beautifully remastered edition should enable this to be acknowledged and appreciated as one of the truly essential jazz recordings of all time.

https://www.allmusic.com/album/all-night-session%21-vols-1-3-mw0000364190 

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Revisión por arwulf arwulf

Originalmente emitido en tres LPs, la música resultante de la sesión de la noche de Hampton Hawes! fue grabada estereofónicamente para el sello Contemporary en Los Ángeles la noche del 12 de noviembre y hasta la mañana del 13 de noviembre de 1956. Esta sesión trascendió las convenciones de la producción de estudio al moverse constantemente de una melodía a otra como un concierto en vivo sin alternativa toma. Aquí está la costa oeste bop en su forma más espontánea y emocionante. Antes de este exitoso experimento de cuarteto, Hawes había grabado principalmente con su trío. Dijo que la adición del guitarrista Jim Hall abrió más posibilidades rítmicas. Las corrientes que pasaron entre Hawes y el bajista Red Mitchell fueron el pulso metabólico de este grupo; El baterista Eldridge "Bruz" Freeman reemplazó a Chuck Thompson, cuyo hábito de heroína lo había obligado a abandonar la banda ese mismo año. En esta noche, Hawes eligió reinterpretar nada menos que cuatro composiciones de Dizzy Gillespie, junto con temas de Duke Ellington y Duke Jordan, así como seis castañas del repertorio de jazz estándar. Pero no hay nada "estandarizado" sobre esta música. Al igual que su influencia principal, Charlie Parker, Hampton Hawes era un improvisador basado en el blues sorprendentemente ingenioso; ¡Este elemento está fuertemente presente en todo, particularmente durante los cinco originales de Hawes compuestos espontáneamente que se materializaron durante esta sesión de toda la noche de monumento creativo! Ahora, 50 años después de que esta música se puso a disposición del público por primera vez, la bellamente remasterizada edición del sello Definitive debería permitir que esta sea reconocida y apreciada como una de las grabaciones de jazz verdaderamente esenciales de todos los tiempos.

https://www.allmusic.com/album/all-night-session%21-vols-1-3-mw0000364190 

Jim Hall • Jazz Guitar

Review by Ken Dryden

Jim Hall's debut as a leader has a somewhat tortured history. The original LP had ten tracks, though producer Richard Bock edited six of them for a later pressing and also inexplicably overdubbed Larry Bunker's drums (he wasn't originally present) on a third pressing. Over time the complete versions of the six edited tunes were lost or discarded, and the master of "This Is New" suffered the same fate. By the time of this 1988 reissue, none of the missing material could be located, although "Too Close for Comfort" and a longer alternate take of "Things Ain't What They Used to Be," both of which had been issued on separate Pacific Jazz anthologies but not on the original LP or subsequent reissues, were added to the CD, which has long since lapsed from print as well. The music deserved a better fate. Jim Hall grew into one of the most respected guitarists in jazz, and his original concept was damaged by Bock's senseless tinkering, since it was the solos of bassist Red Mitchell and pianist Carl Perkins (whose discography is already limited enough due to his premature death) that shortened or removed by the original producer. Nevertheless, what remains is still a valuable introduction to the long, successful career of Jim Hall. The music sticks to familiar standards from the swing era and is often low key, much like the man himself. A waltzing "Thanks for the Memory" is a fine example of Hall's lyricism, while other unedited songs, like the lively "9:20 Special," gives us a glimpse of what the overall album sound might have been like.

https://www.allmusic.com/album/jazz-guitar-mw0000651636

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Revisión por Ken Dryden

El debut de Jim Hall como líder tiene una historia un tanto torturada. El LP original tenía diez pistas, aunque el productor Richard Bock editó seis de ellas para una edición posterior y también la batería de Larry Bunker inexplicablemente doblada (no estaba presente originalmente) en una tercera edición. Con el tiempo, las versiones completas de las seis melodías editadas se perdieron o se descartaron, y el maestro de "This Is New" sufrió el mismo destino. En el momento de esta reedición de 1988, no se pudo localizar ninguno de los materiales faltantes, aunque "Too Close for Comfort" y una versión alternativa más larga de "Cosas que no eran lo que solían ser", ambas de las cuales se publicaron por separado. Las antologías de Pacific Jazz, pero no en el LP original o en las reediciones posteriores, se agregaron al CD, que desde hace mucho tiempo también ha caducado. La música merecía un mejor destino. Jim Hall se convirtió en uno de los guitarristas más respetados en el jazz, y su concepto original fue dañado por los retoques sin sentido de Bock, ya que eran los solos del bajista Red Mitchell y el pianista Carl Perkins (cuya discografía ya es lo suficientemente limitada debido a su muerte prematura) que acortado o eliminado por el productor original. Sin embargo, lo que queda es una introducción valiosa a la larga y exitosa carrera de Jim Hall. La música se adhiere a los estándares familiares de la era del swing y es a menudo de bajo perfil, al igual que el hombre mismo. Un valioso "Gracias por la memoria" es un buen ejemplo del lirismo de Hall, mientras que otras canciones inéditas, como el animado "9:20 Especial", nos dan una idea de cómo podría haber sido el sonido general del álbum.

https://www.allmusic.com/album/jazz-guitar-mw0000651636

Chet Baker-Jim Hall-Hubert Laws • Studio Trieste

 

Red Mitchell • Rejoice

 Keith Moore Mitchell (September 20, 1927, New York City - November 8, 1992, Salem, Oregon), better known as Red Mitchell, was an American jazz double-bassist, composer, lyricist, and poet.

Red was raised in New Jersey by a father who was an engineer and loved music, and a mother who loved poetry. His first instruments were piano, alto saxophone, and clarinet. Although Cornell University awarded an engineering scholarship to Mitchell, by 1947 he was in the US Army playing bass. The next year he was in a jazz trio in New York City.

Mitchell became known for performing and/or recording with Mundell Lowe, Chubby Jackson, Charlie Ventura, Woody Herman, Red Norvo, Gerry Mulligan, and, after joining the West Coast jazz scene in the early 1950s, with Andre Previn, Shelly Manne, Hampton Hawes, Billie Holiday, Ornette Coleman, and others. He also worked as a bassist in the TV and film studios around Los Angeles, occasionally appearing on screen. Mitchell also appeared in documentaries about Tal Farlow, and Zoot Sims.

Saxophonist Harold Land and Mitchell founded and co-led a quintet in the early 1960s. In 1966, Red began tuning his bass in fifths (as the violin, viola, and cello are tuned), and his tuning method opened up many possibilities for bassists.

Mitchell moved to Stockholm in 1968 and he won Swedish Grammy Awards in 1986 and 1991 for his recorded performances as a pianist, bassist, and vocalist, and for his compositions and poetic song lyrics.

https://musicians.allaboutjazz.com/redmitchell

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Keith Moore Mitchell (20 de septiembre de 1927, ciudad de Nueva York - 8 de noviembre de 1992, Salem, Oregón), más conocido como Red Mitchell, fue un contrabajista, compositor, letrista y poeta de jazz estadounidense.

Red fue criado en Nueva Jersey por un padre que era ingeniero y amaba la música, y una madre que amaba la poesía. Sus primeros instrumentos fueron piano, saxofón alto y clarinete. Aunque la Universidad de Cornell otorgó una beca de ingeniería a Mitchell, en 1947 estaba en el Ejército de los Estados Unidos tocando el bajo. Al año siguiente estuvo en un trío de jazz en la ciudad de Nueva York.

Mitchell se hizo conocido por actuar y / o grabar con Mundell Lowe, Chubby Jackson, Charlie Ventura, Woody Herman, Red Norvo, Gerry Mulligan y, luego de unirse a la escena del jazz de la Costa Oeste a principios de los años cincuenta, con Andre Previn, Shelly Manne, Hampton Hawes, Billie Holiday, Ornette Coleman, y otros. También trabajó como bajista en los estudios de televisión y cine de Los Ángeles, apareciendo ocasionalmente en la pantalla. Mitchell también apareció en documentales sobre Tal Farlow y Zoot Sims.

El saxofonista Harold Land y Mitchell fundaron y lideraron un quinteto a principios de los años sesenta. En 1966, Red comenzó a afinar su bajo en quintos (como el violín, la viola y el violonchelo están afinados), y su método de afinación abrió muchas posibilidades para los bajistas.

Mitchell se mudó a Estocolmo en 1968 y ganó los Premios Grammy de Suecia en 1986 y 1991 por sus actuaciones grabadas como pianista, bajista y vocalista, y por sus composiciones y letras de canciones poéticas.

https://musicians.allaboutjazz.com/redmitchell

 

Paul Desmond • Feeling Blue

 

 

The Modest Jazz Trio • Good Friday Blues

 

Chico Hamilton • Chico Hamilton Quintet

 

 

Review from All About Jazz (by Hrayr Attarian): This collection presents the complete studio recordings of Chico Hamilton's unusual original quintet, built around drums, guitar, bass, cello and reeds. The reviewer highlights the distinctive chamber-jazz character of the group, its combination of European Romantic influences with blues, and the musicians' exceptional individual playing. The music remains relaxed yet varied and engaging, with Hamilton's distinctive drumming particularly effective. The set also includes the extended drum solo on "A Bark For Barksdale" with the Gerry Mulligan Quartet. [All About Jazz — Review by Hrayr Attarian](https://www.allaboutjazz.com/the-original-chico-hamilton-quintet-complete-studio-recordings-chico-hamilton-lone-hill-jazz-review-by-hrayr-attarian?utm_source=chatgpt.com)

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Reseña de All About Jazz (por Hrayr Attarian): Esta recopilación reúne las grabaciones de estudio completas del inusual quinteto original de Chico Hamilton, formado por batería, guitarra, contrabajo, cello y vientos. El crítico destaca el particular carácter de jazz de cámara del grupo, su combinación de influencias del Romanticismo europeo con el blues y la extraordinaria calidad individual de los músicos. La música conserva un carácter relajado, pero al mismo tiempo es variada y atractiva, con especial destaque para la distintiva manera de tocar la batería de Hamilton. El álbum incluye además el extenso solo de batería de "A Bark For Barksdale" junto al Gerry Mulligan Quartet. 

 

Paul Bryant • The Blues Message / Burnin’

In the late Fifties organ had earned a place with modern jazz fans, and Paul Bryant [1933-2010] was but one of the latest organists to find an audience. He had a hard-hitting, two-fisted style that exploited the registers to the limit. In this set Bryant was blessed with the illustrious company of tenorist Curtis Amy, guitarist Jim Hall, and budding trombonist Roy Brewster.

On the rhythm section, bassist Clarence S. Jones—alternating with Jimmy Bond—and drummer Jimmy Miller, take care of the timing with devotion and intelligence.

This set includes The Blues Message and Burnin’ — the two albums that launched Bryant and Amy’s recording careers. Tenor man Amy, a member of that masculine school of Texas-born “preachers,” is impressive as a featured co-leader. Hall, thoroughly in the cooking spirit of things, was high-spirited and stirring in his solos, comping and balancing the predominant organ adequately. In these tunes, mostly blues with a soul-searching message (Searchin’ and Still Searchin’), Bryant stomps and hollers and then drifts into the sentimental, creating, at some points, moments of pure, unadulterated truth.

Source: http://www.freshsoundrecords.com/the_blues_message_2_lps_on_1_cd-cd-5467.html

A finales de los años 50 el órgano se había ganado un lugar entre los aficionados al jazz moderno, y Paul Bryant [1933-2010] fue uno de los últimos organistas en encontrar un público. Tenía un estilo contundente, de dos puños, que explotaba los registros hasta el límite. En este conjunto Bryant fue bendecido con la ilustre compañía del tenorista Curtis Amy, el guitarrista Jim Hall y el incipiente trombonista Roy Brewster.

En la sección rítmica, el bajista Clarence S. Jones -alternando con Jimmy Bond- y el baterista Jimmy Miller, se encargan de la sincronización con devoción e inteligencia.

Este set incluye The Blues Message y Burnin' - los dos álbumes que lanzaron las carreras de grabación de Bryant y Amy. El tenor Amy, miembro de esa escuela masculina de "predicadores" nacidos en Texas, es impresionante como co-líder destacado. Hall, con un espíritu de cocinero, era muy animado y conmovedor en sus solos, compaginando y equilibrando adecuadamente el órgano predominante. En estas melodías, en su mayoría blues con un mensaje de búsqueda del alma (Searchin' and Still Searchin'), Bryant pisa fuerte y grita y luego se sumerge en lo sentimental, creando, en algunos puntos, momentos de pura verdad no adulterada.

Fuente: http://www.freshsoundrecords.com/the_blues_message_2_lps_on_1_cd-cd-5467.html

Hampton Hawes Quartet • All Night Session [3 Vol]

 

vol 1: On the night of November 12 and into the morning of November 13, 1956, a quartet led by pianist Hampton Hawes recorded enough material to fill three long-playing phonograph record albums. This studio session contained many elements associated with a live gig: the work took place during regular nightclub performing hours, the improvisations were mostly extended, and there were no alternate takes. A remarkable freshness and spontaneity prevailed throughout the session. Although controversy continues regarding the original sequence of titles, Duke Jordan's "Jordu" and Dizzy Gillespie's "Groovin' High" are superb openers for this first of three volumes. In addition to an invigorating run down "Broadway," Hawes improvised two original themes: "Takin' Care" and a bluesy walk entitled "Hampton's Pulpit" that stretched out for more than 11 minutes, making it the longest track of the entire all-night session. Collaborating with the pianist on this historic date were guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman. The interplay between these four men is marvelous, particularly when heard with headphones or through a sound system allowing for a full appreciation of the stereophonic balance achieved by the recording engineers.
vol 2: This is the second of three albums that came about as the result of an all-night recording session that took place in Los Angeles on November 12 and 13, 1956. Although Hampton Hawes spontaneously created five original tunes at this extraordinarily inspired date, everything on Vol. 2 comes directly out of the standard bop musician's working repertoire. The quartet, with bassist Red Mitchell, guitarist Jim Hall, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, collectively improvise their way through four attractive standards ("I Should Care" turned out to be the only slow ballad of the entire session) and three of Dizzy Gillespie's most refreshing creations. In 1958 Hawes was quoted as saying "It's hard to put into words how good it feels to play jazz when it's really swinging...I've reached a point where the music fills you up so much emotionally that you feel like shouting hallelujah -- like people do in church when they're converted to God. That's the way I was feeling the night we recorded All Night Session!"
vol 3 of the Hampton Hawes Quartet's All Night Session contains three spontaneously improvised variations on the blues, one very cool extended rendition of Duke Ellington's "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" and a strikingly handsome treatment of Harold Arlen's "Between the Devil and the Deep Blue Sea." The briskly paced "Blues #4" is especially progressive and exciting. Apparently "Blues of a Sort" was a warm-up performance, as voices are audible (discussing a football game!) in the background during the bass solo. For this one-take marathon late-night session of November 12 and 13, 1956, Hawes chose to share the studio with guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, who had replaced Chuck Thompson following that musician's sudden inability to continue touring with the group earlier that year. "We gave Chuck what money we could and left him sitting on a hospital cot in a white bathrobe." This grim image, like much of Hawes' autobiography Raise Up Off Me, paints a stark picture of the narcotics epidemic among jazz musicians during the '50s. Although this was the first peak of his career, Hawes later admitted that "during the fall of 1956 I was messing up consistently -- showing late on gigs or missing them altogether." He had lots of offers for work, including the possibility of providing music for a film soundtrack: "Wanted to do it, would have paid good, but at the time I didn't even have the bread to get high enough to get to the studio to see what they had in mind." One of the great incongruities of bop is the fact that Charlie Parker and the musicians who were most directly influenced by him were able to be so creative and prolific while grappling with addictions that confounded, immobilized, and eventually slew them. All of these insights quietly swarm beneath the surface of what added up to more than two hours of exceptionally fine quartet jazz.

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vol. 1: En la noche del 12 de noviembre y hasta la mañana del 13 de noviembre de 1956, un cuarteto dirigido por el pianista Hampton Hawes grabó suficiente material para llenar tres discos de larga duración. Esta sesión de estudio contenía muchos elementos asociados a un concierto en directo: el trabajo tuvo lugar durante el horario habitual de actuación en un club nocturno, las improvisaciones fueron en su mayoría prolongadas y no hubo tomas alternativas. Una notable frescura y espontaneidad prevalecieron durante toda la sesión. Aunque continúa la controversia sobre la secuencia original de los títulos, "Jordu" de Duke Jordan y "Groovin' High" de Dizzy Gillespie son magníficos abridores de este primero de los tres volúmenes. Además de un vigoroso recorrido por "Broadway", Hawes improvisó dos temas originales: "Takin' Care" y un paseo bluesero titulado "Hampton's Pulpit" que se alargó durante más de 11 minutos, convirtiéndose en el tema más largo de toda la sesión nocturna. Colaboraron con el pianista en esta fecha histórica el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman. La interacción entre estos cuatro hombres es maravillosa, especialmente cuando se escucha con auriculares o a través de un sistema de sonido que permita apreciar plenamente el equilibrio estereofónico logrado por los ingenieros de grabación.
vol 2: Este es el segundo de los tres álbumes que surgieron como resultado de una sesión de grabación que duró toda la noche y que tuvo lugar en Los Ángeles los días 12 y 13 de noviembre de 1956. Aunque Hampton Hawes creó espontáneamente cinco temas originales en esta fecha extraordinariamente inspirada, todo lo que aparece en el Vol. 2 procede directamente del repertorio de trabajo del músico de bop estándar. El cuarteto, con el bajista Red Mitchell, el guitarrista Jim Hall y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman, improvisan colectivamente su camino a través de cuatro atractivos estándares ("I Should Care" resultó ser la única balada lenta de toda la sesión) y tres de las creaciones más refrescantes de Dizzy Gillespie. En 1958 se citó a Hawes diciendo: "Es difícil expresar con palabras lo bien que se siente tocando jazz cuando hay mucho swing... He llegado a un punto en el que la música te llena tanto emocionalmente que tienes ganas de gritar aleluya, como hace la gente en la iglesia cuando se convierte a Dios. Así es como me sentía la noche que grabamos All Night Session".
El volumen 3 de All Night Session del cuarteto de Hampton Hawes contiene tres variaciones improvisadas de forma espontánea sobre el blues, una interpretación extendida muy genial de "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" de Duke Ellington y un tratamiento sorprendentemente atractivo de "Between the Devil and the Deep Blue Sea" de Harold Arlen. El "Blues #4", de ritmo rápido, es especialmente progresivo y emocionante. Al parecer, "Blues of a Sort" fue una actuación de calentamiento, ya que se oyen voces (¡discutiendo un partido de fútbol!) de fondo durante el solo de bajo. Para esta sesión nocturna maratoniana de una sola toma del 12 y 13 de noviembre de 1956, Hawes eligió compartir el estudio con el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el batería Eldridge "Bruz" Freeman, que había sustituido a Chuck Thompson tras la repentina incapacidad de este músico para seguir de gira con el grupo a principios de ese año. "Le dimos a Chuck el dinero que pudimos y le dejamos sentado en un catre de hospital con una bata blanca". Esta sombría imagen, al igual que gran parte de la autobiografía de Hawes, pinta un crudo panorama de la epidemia de narcóticos entre los músicos de jazz durante los años 50. Aunque este fue el primer pico de su carrera, Hawes admitió más tarde que "durante el otoño de 1956 estaba metiendo la pata constantemente: llegando tarde a los conciertos o perdiéndolos por completo". Tenía muchas ofertas de trabajo, incluida la posibilidad de poner música a la banda sonora de una película: "Quería hacerlo, me habrían pagado bien, pero en ese momento no tenía ni el pan para llegar al estudio y ver lo que tenían pensado". Una de las grandes incongruencias del bop es el hecho de que Charlie Parker y los músicos más directamente influenciados por él fueran capaces de ser tan creativos y prolíficos mientras lidiaban con adicciones que los confundían, inmovilizaban y finalmente los mataban. Todas estas reflexiones pululan silenciosamente bajo la superficie de lo que supuso más de dos horas de jazz de cuarteto excepcionalmente bueno.

The Bill Smith Quartet • Folk Jazz

Review by Stewart Mason

A record that could only have been made in the late '50s, 1959's Folk Jazz is a meeting of the two great collegiate crazes of the period, post-bebop modern jazz and traditional folk music. Clarinetist Bill Smith and a low-key piano-less trio ? Jim Hall on guitar, Monty Budwig on bass and the great Shelly Manne on drums ? take 10 songs from the folk tradition, strip them down to the bare essentials of melody and chord progressions and turn them into a Kind of Blue-like experiment in cool-toned modal jazz. Familiar standards like "Black Is the Color of My True Love's Hair" (which opens with an extended unaccompanied solo by Smith that's a marvel of economy) are presented in entirely new and fresh settings. Perhaps the best of the lot is an extended meditation on the spiritual "Go Down Moses" that turns the song from a gospel shout to an intimate whisper. The 2003 CD reissue adds two tracks, alternate takes of "Reuben, Reuben" and "Nobody Knows the Trouble I've Seen."

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Traducción Automática:
Revisión por Stewart Mason 

Un disco que solo se pudo haber hecho a finales de los años 50, el Folk Jazz de 1959 es una reunión de las dos grandes locuras universitarias de la época, el jazz moderno post-bebop y la música folclórica tradicional. ¿El clarinetista Bill Smith y un trío sin piano de bajo perfil? ¿Jim Hall en la guitarra, Monty Budwig en el bajo y el gran Shelly Manne en la batería? toma 10 canciones de la tradición folklórica, descárgalas a lo esencial de la melodía y las progresiones de acordes y conviértelos en un experimento parecido al tipo de azul en el modal jazz de tonos fríos. Estándares familiares como "El negro es el color de mi cabello de amor verdadero" (que se abre con un solo no acompañado de Smith, que es una maravilla de la economía) se presentan en entornos completamente nuevos y nuevos. Quizás lo mejor de todo es una meditación prolongada sobre el espiritual "Go Down Moses" que convierte la canción de un grito del evangelio en un susurro íntimo. La reedición del CD de 2003 agrega dos pistas, tomas alternativas de "Reuben, Reuben" y "Nadie sabe el problema que he visto".

Chico Hamilton • Chico Hamilton Trio

 

Review by Michael G. Nastos
Chico Hamilton's earliest bands in a trio setting featured two fine rising stars of jazz guitar in Howard Roberts and Jim Hall. With the always exceptional George Duvivier playing bass throughout, these three-piece bands laid a foundation for many of Hamilton's more famous groups in the '60s that sported sidemen Larry Coryell and Gabor Szabo. There are hints of the hardcore jazz swing and Latin boogaloo amalgam that Hamilton would perfect, but for this compilation of recordings originally for the Pacific Jazz label, you hear his immaculate work on brushes, more prevalent than his sticks, although many tunes combine the two as he switches off. The eight tracks with the refined playing of Roberts move from a delicate, tasteful version of "Broadway," through the slow, somewhat abstract "Street of Drums," and the ballad "What Is There to Say?" But then the pace picks up with the quick "Nuttye" reinforced by backdrop scat, and the bass-led bop-to-funk "Buddy Boo," where Hamilton's developing style is emerging. Rumbling and tribal drums for the late-night "Uganda" buoys the patient guitar of Roberts, while the two-minute shortie "Lollypop" is a delicious call and response bopper. As polished as the playing of Roberts is, the sessions with the brilliant Jim Hall are the gems of the set, with all of the compositions penned by Duvivier. "Autumn Landscape" is a bit somber and regretful, while "Porch Light" reads angular à la Thelonious Monk, with the guitarist stepping up. A unique, fluid, and dynamic voice at this stage of his career, Hall holds sway in a consistent mezzo piano volume for the bop-tinged "Blues on the Rocks" before Hamilton's deft solo on brushes, but with the wire flanges plays his tom-toms in ultra melodic and inventive fashion for "Skynned Strings." An entry point recording for Chico Hamilton, it displays his savory good common sense well before being more trend- and fashion-conscious, as psychedelia and fusion took over commercialized jazz. What needs to be recognized is that Hamilton did not so much assimilate the trends, but modified and adapted his music to the sign of the times and his own unique talents. This LP represents him at a more innocent time, when jazz was not so adulterated by more popular forms, and it's a fine West Coast-style time capsule for the era.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

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Reseña de Michael G. Nastos
Las primeras bandas de Chico Hamilton en un entorno de trío presentaban a dos excelentes estrellas emergentes de la guitarra de jazz en Howard Roberts y Jim Hall. Con el siempre excepcional George Duvivier tocando el bajo en todo momento, estas bandas de tres integrantes sentaron las bases para muchos de los grupos más famosos de Hamilton en los años 60 que contaban con los acompañantes Larry Coryell y Gabor Szabo. Hay indicios de la amalgama hardcore jazz swing y Latin boogaloo que Hamilton perfeccionaría, pero para esta compilación de grabaciones originalmente para el sello Pacific Jazz, escuchas su inmaculado trabajo en pinceles, más frecuente que sus baquetas, aunque muchas melodías combinan las dos mientras se apaga. Las ocho pistas con la interpretación refinada de Roberts pasan de una versión delicada y de buen gusto de "Broadway", a través de la lenta y algo abstracta "Street of Drums" y la balada " What Is There To Say?"Pero luego el ritmo se acelera con el rápido "Nuttye" reforzado por scat de fondo, y el bajo bop - to-funk "Buddy Boo", donde está surgiendo el estilo en desarrollo de Hamilton. Los tambores retumbantes y tribales de la "Uganda" nocturna hacen flotar la guitarra paciente de Roberts, mientras que la "Piruleta" de dos minutos es un delicioso bopper de llamada y respuesta. Tan pulida como es la interpretación de Roberts, las sesiones con el brillante Jim Hall son las gemas del set, con todas las composiciones escritas por Duvivier. "Autumn Landscape" es un poco sombrío y lamentable, mientras que" Porch Light " dice angular à la Thelonious Monk, con el guitarrista dando un paso al frente. Una voz única, fluida y dinámica en esta etapa de su carrera, Hall domina un volumen consistente de piano mezzo para el "Blues on the Rocks" teñido de bop antes del hábil solo de Hamilton con los pinceles, pero con las bridas de alambre toca sus tom-toms de manera ultra melódica e inventiva para "Skynned Strings."Una grabación de punto de entrada para Chico Hamilton, muestra su sabroso buen sentido común mucho antes de ser más consciente de las tendencias y la moda, ya que la psicodelia y la fusión se apoderaron del jazz comercializado. Lo que hay que reconocer es que Hamilton no asimiló tanto las tendencias, sino que modificó y adaptó su música al signo de los tiempos y a sus propios talentos únicos. Este LP lo representa en un momento más inocente, cuando el jazz no estaba tan adulterado por formas más populares, y es una excelente cápsula del tiempo al estilo de la Costa Oeste para la época.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

Ron Carter & Jim Hall • Live At Village West

 

 

www.roncarterbass.com ...

 

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

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Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

Jimmy Giuffre • Free Fall

 

Review by Thom Jurek
Jimmy Giuffre's 1962 recording for Columbia with his trio is one of the most revolutionary recordings to come out of the 1960s. While Coltrane and Coleman and Taylor were trying to tear music down from the inside out to discover what it really counted for, Giuffre was quietly creating his own microtonal revolution that was being overlooked by other avant-gardists in jazz. On Free Fall, Giuffre, pianist Paul Bley, and bassist Steve Swallow embarked on a voyage even farther-reaching than their previous two Verve albums, Fusion and Thesis (both recorded in 1961), in their search of pointillistic harmony, open-toned playing, and the power of the nuanced phrase to open new vistas for solo or group improvisation. The original album is comprised of five clarinet solos, two duets for clarinet and bass, and three trio pieces. The CD reissue adds five more clarinet solos to the bank and makes it a stunning view of Giuffre as a master of the idiom of not only jazz free improvisation but also a fine interpreter of the musical languages being discussed by classical composers Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, and even Morton Feldman and Earle Brown. All of Giuffre's clarinet studies -- particularly "Man Alone," "Yggdrasill," and "Present Motion" -- are studies in tonal coloration, where phraseology opens onto second and third tonal ideas being layered atop one another to de-emphasize one or the other. Of the group interactions, "Threewe" and "Spasmodic" offer the view of intertwining chromatic pointillism as it shapes itself linguistically between one instrument and the next without concern for a dominant harmony, rhythm, or melody. Indeed, Free Fall was such radical music, no one, literally no one, was ready for it and the group disbanded shortly thereafter on a night when they made only 35 cents apiece for a set. Reissued in 1999, Free Fall predates all of the European microtonal studies and is indeed an inspiration to all who have embraced it.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

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Reseña de Thom Jurek
La grabación de Jimmy Giuffre en 1962 para Columbia con su trío es una de las grabaciones más revolucionarias de la década de 1960. Mientras Coltrane, Coleman y Taylor intentaban derribar la música de adentro hacia afuera para descubrir para qué valía realmente, Giuffre estaba creando silenciosamente su propia revolución microtonal que estaba siendo ignorada por otros vanguardistas del jazz. En Free Fall, Giuffre, el pianista Paul Bley y el bajista Steve Swallow se embarcaron en un viaje aún más lejano que sus dos álbumes anteriores de Verve, Fusion y Thesis (ambos grabados en 1961), en su búsqueda de armonía puntillista, interpretación de tonos abiertos y el poder de la frase matizada para abrir nuevas perspectivas para la improvisación en solitario o grupal. El álbum original está compuesto por cinco solos de clarinete, dos dúos para clarinete y bajo y tres piezas de trío. La reedición en CD agrega cinco solos de clarinete más al banco y ofrece una visión impresionante de Giuffre como un maestro del idioma no solo de la improvisación libre del jazz, sino también un excelente intérprete de los lenguajes musicales que discuten los compositores clásicos Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, e incluso Morton Feldman y Earle Brown. Todos los estudios de clarinete de Giuffre, particularmente "Man Alone"," Yggdrasill " y "Present Motion", son estudios sobre coloración tonal, donde la fraseología se abre a ideas de segundo y tercer tono superpuestas entre sí para restar énfasis a una u otra. De las interacciones grupales, "Threewe" y "Spasmodic" ofrecen la visión de entrelazar el puntillismo cromático a medida que se forma lingüísticamente entre un instrumento y el siguiente sin preocuparse por una armonía, ritmo o melodía dominantes. De hecho, Free Fall era una música tan radical que nadie, literalmente nadie, estaba listo para ella y el grupo se disolvió poco después en una noche en la que ganaban solo 35 centavos por set. Reeditado en 1999, Free Fall es anterior a todos los estudios microtonales europeos y, de hecho, es una inspiración para todos los que lo han abrazado.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

Zoot Sims & Bob Brookmeyer • Stretching Out & Kansas City Sound

Bob Brookmeyer’s early environment was in the jazz bedrock of his native Kansas City. As a player, he has been one of the most expressive and emotional of all modern trombonists… His specialty being the one with valves rather than a slide. But despite his style not being limited to any school or attitude, he have always been very conscious of the foundations of jazz—with a heavy emphasis on the wonderful, rolling swing that was so much a part of the Basie organization.

His ideas evolved from his own experiences. “I’m not afraid of being called regressive,” he said. “Music can be like love and painting. Just because a song and spirit have been around for awhile doesn’t mean it’s diminished in value.” On these two great 1958 sessions, Brookmeyer and friends revisit some old, swinging Kansas City sounds along with pleasant new tunes. Over-all, there is a wonderful rhythm and feeling replete with good solos that make for very rewarding listening.

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El entorno inicial de Bob Brookmeyer estaba en la base del jazz de su ciudad natal, Kansas City. Como músico, ha sido uno de los trombonistas más expresivos y emocionales de todos los modernos... Su especialidad es el que tiene válvulas en lugar de diapositivas. Pero a pesar de que su estilo no se limita a ninguna escuela o actitud, siempre ha sido muy consciente de los fundamentos del jazz, con un gran énfasis en el maravilloso y rodante swing que fue parte de la organización Basie.

Sus ideas evolucionaron a partir de sus propias experiencias. "No tengo miedo de que me llamen regresivo", dijo. "La música puede ser como el amor y la pintura. El hecho de que una canción y un espíritu hayan existido durante un tiempo no significa que su valor haya disminuido." En estas dos grandes sesiones de 1958, Brookmeyer y sus amigos repasan algunos viejos sonidos de Kansas City junto con nuevas y agradables melodías. En general, hay un ritmo maravilloso y un sentimiento repleto de buenos solos que son muy gratificantes.

Gary Burton & Friends • Six Pack

 

  

Features Pat Metheny, Steve Swallow, Paul Schaffer, Mulgrew Miller -- and guest work from Jack DeJohnette, John Scofield, Jim Hall, and BB King. 

 

 

Gerry Mulligan • Night Lights

 

 

www.gerrymulligan.com ...

Jim Hall • Something Extraordinary

 

Biography:

A harmonically advanced cool-toned and subtle guitarist, Jim Hall was an inspiration to many guitarists, including some (such as Bill Frisell) who sound nothing like him. Hall attended the Cleveland Institute of Music and studied classical guitar in Los Angeles with Vicente Gómez. He was an original member of the Chico Hamilton Quintet (1955-1956), and during 1956-1959 was with the Jimmy Giuffre Three. After touring with Ella Fitzgerald (1960-1961) and sometimes forming duos with Lee Konitz, Hall was with Sonny Rollins' dynamic quartet in 1961-1962, recording The Bridge. He co-led a quartet with Art Farmer (1962-1964), recorded on an occasional basis with Paul Desmond during 1959-1965 (all of their quartet performances are collected on a Mosaic box set), and then became a New York studio musician. He was mostly a leader during the following years and, in addition to his own projects for World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters, and Telarc, Jim Hall recorded two classic duet albums with Bill Evans. A self-titled collaboration with Pat Metheny followed in 1999. A flurry of studio albums, reissues, and compilations followed throughout the next few years, with the exceptional Jim Hall & Basses standing out for its bass/guitar duet format. Jim Hall died at his apartment in Manhattan on December 10, 2013; he was 83 years old.

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Biografía:

Un guitarrista armónicamente avanzado de tono frío y sutil, Jim Hall fue una inspiración para muchos guitarristas, incluyendo algunos (como Bill Frisell) que no se parecen en nada a él. Hall asistió al Instituto de Música de Cleveland y estudió guitarra clásica en Los Ángeles con Vicente Gómez. Fue miembro original del Quinteto Chico Hamilton (1955-1956), y durante 1956-1959 estuvo con los Tres de Jimmy Giuffre. Después de ir de gira con Ella Fitzgerald (1960-1961) y a veces formando dúos con Lee Konitz, Hall estuvo con el dinámico cuarteto de Sonny Rollins en 1961-1962, grabando The Bridge. Dirigió un cuarteto con Art Farmer (1962-1964), grabó ocasionalmente con Paul Desmond durante 1959-1965 (todas sus actuaciones en cuarteto se recogen en una caja de Mosaico), y luego se convirtió en un músico de estudio de Nueva York. Fue principalmente un líder durante los años siguientes y, además de sus propios proyectos para World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters y Telarc, Jim Hall grabó dos álbumes clásicos a dúo con Bill Evans. En 1999 se produjo una colaboración autotitulada con Pat Metheny. Una ráfaga de álbumes de estudio, reediciones y compilaciones siguieron a lo largo de los siguientes años, con el excepcional Jim Hall & Basses destacándose por su formato de dúo bajo/guitarra. Jim Hall murió en su apartamento de Manhattan el 10 de diciembre de 2013; tenía 83 años.